اصول انیمیشن سازی

در این مطلب از سری آموزش های رایگان سینمایی اصول انیمیشن سازی را شرح می دهیم.

 

اصول دوازده گانه انیمیشن سازی چه هستند؟

وقتی انیمیشن های به شدت موفق را در نظر بگیرید، یکی از نخستین استودیوهایی که به ذهنتان خطور می کند استودیوی دیزنی است.

دیزنی، از دوره میکی ماوس گرفته تا الآن که انیمیشن های بلند و مدرن می سازد، همیشه می دانسته چطور انیمیشن های موفق خلق کند.

با وجود خلاقیت بالای تیم های خلاقه دیزنی و استعدادهای تازه ای که کمک می کنند این استودیو راه جدیدی در انیمیشن سازی در پیش بگیرد، دیزنی همیشه از اصول دوازده گانه انیمیشن سازی خود پیروی کرده است.

 

تاریخچه کوتاه اصول دوازده گانه انیمیشن سازی

والت دیزنی از انیماتورهای نخستین با عنوان «نه پیرمرد» یاد می کرد.

آنها انیماتورهای اصلی بودند، کسانی که بعضی از مشهورترین انیمیشن های خلق شده اثر آنها بود.

انیمیشن هایی مانند «سفید برفی و هفت کوتوله»، «بانو و ولگرد»، «سیندرلا» و «زیبای خفته» که همگی از انیمیشن های کلاسیک دیزنی هستند که مخاطبین چند نسل عاشق آنها بودند.

دو نفر از این انیماتورهای اصلی، اُلی جانستن و فرانک تامس، اصول دوازده گانه انیمیشن سازی را پایه ریزی کردند

و یادگیری آن را برای تمامی علاقمندان به انیماتور شدن و انیماتورهای فعال ضروری اعلام کردند.

این اصول ابتدا در سال ۱۹۸۱ در کتاب آنها به نام «توهم زندگی: انیمیشن دیزنی» منتشر شد.

اما تمامی «نه پیرمرد» متفق القول اعلام کردند که از دهه ۱۹۳۰ این اصول را رعایت می کرده اند.

 

 

اصول ساخت انیمیشن

اصول دوازده گانه انیمیشن سازی دیزنی

درباره هر یک از این اصول انیمیشن سازی میتوان مطالب زیادی نوشت، اما ما آنها را به طور خلاصه با شما در میان می گذاریم.

این مقاله را هم بخوانید:  آموزش رایگان دوره های عکاسی توسط شرکت نیکون

 

فشردگی و کشیدگی (Squash and stretch)

این توهمی است که به ما به عنوان مخاطب کمک می کند تأثیر نیروی جاذبه را مجسم کنیم.

در انیمیشن کوتاه استودیوی پیکسار به نام «روز و شب»، دو کاراکتر داستان زمانی که از این سو به آن سوی پرده می روند به وضوح فشرده و کشیده می شوند،

و همین کمک می کند حرکت و رقص آنها را ببینیم.

پیش بینی در انیمیشن

 

 

پیش بینی(Anticipation)

شما به عنوان انیماتور باید سرنخ هایی به مخاطبتان بدهید که بفهمد اتفاق مهمی در جریان است.

لزوماً هم نیازی نیست لحظه مهمی در داستان باشد، همین که یک اکت مهم باشد کافی است.

چیزی مثل نفس عمیقی که قبل از شیرجه زدن می کشیم یا هرکولس که قبل از مشت زدن در صورت هادس دستش را عقب می برد.

پیش بینی در انیمیشن

صحنه پردازی(Staging)

تک تک حرکات و حالات قرار گیری کاراکتر ها باید منظور خاصی را برسانند.

بسیار شبیه تدوین و ترکیب (composition) در آثار هنری است.

تصویر هر کاراکتری را که فیکس کنید باید بتوانید احساس او را در لحظه مشخص کنید.

شما باید از عنصر “حرکت” برای هدایت “چشمان بیننده” استفاده کنید و توجه او را به آن چه در صحنه اهمیت بیشتری دارد، معطوف نمایید.

 

 

روش مستقیم رو به جلو و حالت به حالت (Straight  ahead  action  and  pose  to  pose)

روش مستقیم رو به جلو: منظور از این روش زمانی است که انیماتور هر فریم را بعد از فریم دیگر طراحی می کند و همزمان که پیش می رود حرکت را ایجاد می کند.

این روش زمانی مورد استفاده قرار می گیرد که انیماتور بخواهد چیزی سیال و دارای حرکات موزون را به تصویر بکشد.

مثل زمانی که پری مهربان با جادو لباس سیندرلا را تنش می کند.

دو راه عمده برای کنترل طراحی های انیمیشن وجود دارد:

مستقیم رو به جلو و حالت به حالت. هر کدام از این دو مورد فواید مربوط به خود را دارد و غالبا هر دو با یکدیگر ادغام می شوند.

حرکت مستقیم

دو راه عمده برای کنترل طراحی های انیمیشن وجود دارد: مستقیم رو به جلو و حالت به حالت. هر کدام از این دو مورد فواید مربوط به خود را دارد و غالبا هر دو با یکدیگر ادغام می شوند.

 

این مقاله را هم بخوانید:  آموزش آپلود فیلم در vimeo

روش حالت به حالت:

در اصول انیمیشن سازی این روش مانند این است که کاراکتر را از یک موقعیت مکانی به یک موقعیت مکانی کاملاً متفاوت ببریم و بعد حرکت این میان را با فریم های لازم پر کنیم.

 

دنباله ها و عمل همپوشانی یا اورلپ (Follow through and overlapping action)

هنگامی که کاراکتری حرکت می کند و بعد متوقف می شود، تمام اجزای بدنش به یکباره متوقف نمی شوند.

بعضی از بخش های کاراکتر مانند لباس هایش سریعتر حرکت می کنند.

هنگامی که یک پرنسس که پیراهن بلندی به تن دارد روی پاشنه پا چرخ می زند، پیراهنش سریعتر از بدنش حرکت می کند و حتی وقتی بدنش متوقف می شود لباسش باز هم به چرخش خود ادامه می دهد.

 (Follow through and overlapping action)

 

کاهش سرعت هنگام ورود به صحنه و افزایش سرعت هنگام خروج از صحنه (Slow in and slow out)    

این اصل هم که برای افزودن واقعگرایی لازم است، هنگام حرکت کردن کاراکترها بسیار حائز اهمیت است.

انیماتورها در ابتدای اکت فریم های بیشتر طراحی می کنند. تعداد این فریم ها در میانه اکت کاهش و در پایان آن افزایش می یابد.

 

 

قوس (Arc)

در اصول انیمیشن سازی این اصل از این ایده پیروی می کند که بعضی از اکت ها از یک حرکت شبه دورانی برخوردارند.

هنگامی که سرتان را می چرخانید، سرتان صاف حرکت نمی کند بلکه یک حالت قوسی را دنبال می کند.

قوس (Arc)

 

اکت فرعی (Secondary action)

اکت های کوچکتر برای تقویت اکت اصلی مورد استفاده قرار می گیرند.

به عنوان مثال، هنگامی که پوکاهانتس در جنگل می دود، بدنش اکت اصلی را انجام می دهد و حرکت موهایش در باد اکت فرعی به شمار می رود.

اکت های کوچکتر از طریق ایجاد جنبش بیشتر اکت اصلی را تقویت می کنند.

 

زمانبندی (Timing)

بسیاری از کارتون ها قوانین فیزیک را نابود می کنند.

اما کار انیماتور این است که مخاطب را طوری فریب بدهد که انگار کارتون از قوانین فیزیک پیروی می کند.

این مقاله را هم بخوانید:  کارگردان تئاتر : سه راه‌حل فوق‌العاده برای کارگردانی تئاتر هنگام بروز مشکل

تنظیم زمانبندی یک صحنه -افزایش سرعت آن با فریم های بیشتر و کاهش سرعت آن با فریم های کمتر- به این بُعد اضافه می کند.

زمانبندی

 

اغراق (Exaggeration)

تأکید روی یک حرکت بی آنکه باورپذیری صحنه ای را از بین ببرد به رساندن یک منظور خاص کمک می کند و احساسات صحنه را افزایش می دهد.

مانند زمانی که کاراکتر ابروهایش را بالا می اندازد یا فکش از شدت ناباوری پایین می افتد.

 

طراحی های قوی (Solid drawing)

این اصل یادآوری می کند که با اینکه مدیوم شما دوبعدی است، باید به نظر مخاطبانتان سه بعدی بیاید.

در طراحی هایتان یک پرسپکتیو واحد و انسجام فریم ها را حفظ کنید. این کار به باورپذیر شدن صحنه ها کمک می کند.

 

جذبه (Appeal)

تمام کاراکترها قرار نیست ظاهری دوست داشتنی و بامزه داشته باشند.

هر از گاهی هم به یک شخصیت شرور نیاز دارید. با اینحال باز هم مهم است که کاراکترهایتان زیبا به نظر برسند و مخاطب از دیدن آنها لذت ببرد.

 

کاربردهای اصول دوازده گانه انیمیشن سازی برای هنرجویان انیمیشن سازی

 

وظیفه شما به عنوان یک انیماتور این است که چیزی باورپذیر و زیبا خلق کنید.

خواسته مخاطبین این است که از همان صحنه ابتدایی به دنیای شما منتقل شوند.

پیروی از اصول دوازده گانه انیمیشن سازی به موفقیت شما در دوره های آموزشی انیمیشن سازی کمک می کند.

اگر هنرجوی انیمیشن سازی یا انیماتور مبتدی هستید با استفاده از نکات زیر بهتر می توانید این اصول را به کار ببندید:

 

  1. این اصول را مکرراً مرور کنید.
  2. قبل از شروع یک پروژه، در طول ساخت و بعد از اتمام آن این فهرست را بررسی کنید.
  3. هر ۱۲ اصل را به کار برده اید؟ اگر نبرده اید، علت آن چه بوده است؟
  4. به دنبال نمونه هایی برای هر اصل باشید. هفته ای یکبار یک انیمیشن تماشا کنید و این اصول را در آن کشف کنید.
  5. از دیگران بخواهید کارتان را بررسی کنند. از آنها بخواهید مشخصاً درباره کاربرد اصول دوازده گانه انیمیشن سازی در پروژه تان به شما بازخورد بدهند.
  6. نقدهای آنها را بشنوید و مواردی را که به آن توجه نداشتید اصلاح کنید.

 

منبع: وب سایت مدرسه فیلمسازی لس آنجلس و تصاویر از نوشیکا

 

این مطلب به ضصورت اختصاصی برای گروه دریچه سینما تهیه شده و هر گونه کپی برداری از آن غیرقانونی است.

لینک کوتاه این مطلب
این مطلب را به اشتراک بگذارید
ارسال دیدگاه

ورود

برای دسترسی به داشبورد اینجا کلیک کنید.

خدمات ما
ما را دنبال کنید

لوگو اینستاگرام    لوگو تلگرام

مطالب سراسر وب